Instrumentos musicales electrónicos

La música electrónica nació a finales del s. XIX y principios del s. XX. Los instrumentos electrónicos o electrófonos son aquellos que producen sonido gracias a la energía eléctrica, se trataría de cualquier sonido generado por medio de una señal eléctrica (como una guitarra eléctrica, o incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces), pero el uso ha restringido este término exclusivamente para la música generada por sintetizadores, sampleadores, ordenadores y máquinas de ritmo.

Desde el punto de vista académico, la música electrónica es la que utiliza sólo medios electrónicos para producir sonidos. Los compositores empezaron a aprovechar los avances tecnológicos de comienzos del siglo XX.

El primer instrumento electrónico, que fue el “telégrafo musical”. Fue inventado por Elisha Gray, descubierto accidentalmente al observar la generación de sonidos a través de la vibración del circuito electromagnético, y desarrolló un oscilador sobre una nota. Fue el primer instrumento musical electromecánico que utilizaba telegrafía y un zumbador electrónico que generaba un timbre con sonido propio.

Música electroacústica

Telégrafo musical

La música electroacústica aparece como una forma de música clásica durante la época moderna mediante la incorporación de la reproducción del sonido eléctrico como una forma de composición música.

La definición de la música electroacústica ha despertado cierta controversia. En principio se puede definir en función de los instrumentos implicados.

Por un lado, son instrumentos musicales que producen sonidos usando la electrónica (energía eléctrica). Se deben diferenciar de un instrumento tradicional eléctricamente amplificado, en que este último requiere que la amplificación se realice por medios electrónicos, como es el caso de la guitarra eléctrica.

Por otro lado, los instrumentos electrófonos son la última familia en integrarse a la clasificación Sachs-Hornbostel, aproximadamente en 1940.

Y por último, los instrumentos mecánico-eléctricos o electromecánicos son los instrumentos musicales que mezclan elementos mecánicos y eléctricos para generar el sonido, como por ejemplo, el Órgano Hammond o Melotrón.

Los primeros desarrollos de la composición de música electroacústica durante el siglo XX están relacionados con investigacionesde compositores en Europa y Estados Unidos. A finales del siglo XIX y comienzos del XX, se comenzaron a inventar los primeros instrumentos que generaban sonido y ruido a través de la vibración de un circuito electromecánico.

En 1928, se crea el instrumento de Ondas Martenot, supuso un punto de partida para atraer el interés de músicos e inventores, creando un nuevo nicho de instrumentos musicales, los instrumentos electrónicos, como es el caso de los sintetizadores que durante la década de 1970 y 1980, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales.

Los instrumentos electrónicos, actualmente siguen en desarrollo, han interesado a muchos compositores académicos como Stockhausen o John Cage, pero también a numerosos grupos que popularizaron los estilos de música más modernos: The Residents o Vangelis.

Con la invención del MIDI, el sampler y otros artefactos, la música electrónica ha llegado tanto a los medios de comunicación y a todos los dispositivos de los usuarios, consiguiendo una gran notoriedad la música realizada con instrumentos electrónicos.

Instrumentos electrónicos y electroacústicos

Theremin

El primer instrumento puramente electrónico fue el telearmonio (o telharmonium), inventado por Thaddeus Cahill en 1987. pero su tamaño tan grande como un coche y su peso de 7 toneladas fueron un inconveniente para que se popularizara su uso.

Así pues se puede determinar que el primer instrumento electrónico práctico fue el teremín, inventado por el profesor Lev Theremin entre 1919/20, otro primitivo instrumento electrónico fueron las ondas Martenot.

Por otro lado, el Manifiesto futurista de Marinetti (1910) poseía postulados que rápidamente se extenderían al mundo de la música.

Instrumentos de generación eléctrica

Los instrumentos de generación eléctrica, como su nombre indica, sustituyen el generador acústico de sonido tradicional, como la cuerda el tubo, por la oscilación armónica de un aparato electrónico, de tal forma el sonido se produce y proyecta enteramente gracias a la electricidad.

A su vez, estos instrumentos electromecánicos pueden ser:

• Radio-eléctricos: el sonido se genera totalmente a partir de oscilaciones eléctricas. Por ejemplo, el sintetizador o el instrumento llamado Ondas Martenot.
• Mecánico-eléctricos: combinan elementos mecánicos y eléctricos para generar el sonido. Es el caso del theremín o del Melotrón.
• Instrumentos eléctricamente amplificados: Se trata de instrumentos tradicionales que son amplificados eléctricamente, no suelen tener una caja de resonancia natural, sino que precisan electricidad para que se amplifique el sonido que producen, como la guitarra eléctrica o el bajo eléctrico, el teclado eléctrico o el violín eléctrico.

Vamos a ver un listado de los distintos instrumentos electrónicos:

Historia de los instrumentos musicales electrónicos

Período de 1800 a 1920

El primer dispositivo electromecánico conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, 1857, podía grabar sonidos visualmente, pero no reproducirlos de nuevo.

Fonógrafo y Thomas A. Edison

En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares a los del fonoautógrafo, posteriormente Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1889. Otro invento significativo que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica fue la válvula audión, es la primera válvula termoiónica, 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica.

Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales facilitaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium, 1898 y 1899. pero su gran tamaño y peso impidieron que se popularizara, por eso se suele considerar como primer instrumento electrónico el Theremin, 1919–1920. Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, como hemos dicho anteriormente.

En 1907, justo un año después de la invención del triodo audión, Alexander Iskenderian publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes electrónicas como de otras en la música del futuro, escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: «Solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse de este material desconocido uno accesible y plástico para la generación venidera y para el arte».

Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, Busoni tuvo un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en Edgare Varèse.

El Futurismo

El futurismo se acercó a la estética musical, con la premisa de la filosofía futurista valorando el «ruido», así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados como musicales. El Manifiesto Técnico de la Música Futurista de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: «Presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad».

El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Rusolo publicó su manifiesto El arte de los ruidos (original en italiano, L’arte dei Rumori). En 1914, organizó el primer concierto del «arte de los ruidos» en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como «instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos».

Período de 1920-1930

Lev Theremin. Creador del Theremin.

El primer instrumento fue el Theremin, 1919 y 1920, con el realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpretada por primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista.

La grabación de sonidos dio un salto cualitativo en 1927, cuando el inventor estadounidense J. A. O’Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente pero fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los principios del Telharmonium, junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación.

A comienzos de 1930 la industria cinematográfica comenzó a usar los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas. En esta época la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el Magnetophon K-1, 1935.

De todos los instrumentos electrónicos, los primeros sintetizadores polifónicos se desarrollaron en Alemania y en Estados Unidos en la década de los treinta. Se creó en 1937 el órgano Warbo Formant, que era un teclado de cuatro teclas y un control dinámico envolvente.

En 1939 se lanzó el Novachord, que era un teclado electrónico que utilizaba doce sets de osciladores por octava para generar sonido y con vibrator.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se aplica la técnica AC Bias, que incrementó drásticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una alta frecuencia inaudible, se extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophon K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB, sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.

Período de 1940-1960

En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo. No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la guerra, cuando varios de estos aparatos fueron requisados y llevados a Estados Unidos. Estos sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, entre ellos el Model 200.

La cinta de audio magnética abrió un gran campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros, su fidelidad en la reproducción era mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha, podía ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés, podía editarse también físicamente e incluso pueden unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos, que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron aún más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas eco, produciendo así, efectos de eco y reverberación.

Musica concreta

Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. En 1950, Schaeffer dio el primer concierto de música concreta en la École Normale de Musique de Paris. Un año más tarde, RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica.

Elektronische Musik

Estudio de Música Electrónica de WDR, Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer & Herbert Eimert, Alemania, 1951

En 1949 Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música desde señales producidas electrónicamente así la Elektronische Musik se diferenciaba a gran escala respecto a la Musique concrète francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

En Colonia, en la radio de la NWDR en 1951 fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia, donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas. Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger, Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen.

Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant-garde o vanguardismo. Stockhausen afirmó que sus oyentes decían que su música electrónica les daba una experiencia de «espacio exterior», sensaciones de volar, o de estar en «un mundo de ensueño fantástico».

En los años cuarenta y cincuenta se creó el Órgano Combo, instrumento pequeño con oscilador electrónico, vibrator y filtros pasivos, y se diseñaron para usarlos con ensambles convencionales en vez de experimentales .

En 1955 aparecieron más estudios electrónicos y experimentales, fueron notables la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda.

La banda sonora de Forbidden Planet, producida por Louis y Bebe Barron, fue compuesta únicamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956. Con la Aparición del primer ordenador, el matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular pero dicho ordenador reproducía un repertorio estándar y no pudo utilizarse para ampliar el pensamiento musical.

En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, que integró un importante desarrollo tecnológico ya que se el sintetizador Clavivox.

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957, era difícil de usar y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador.

Período de 1960-1970

Esta época fue my importante para el afloramiento de distintos músicos e instrumentos electrónicos, durante estos años aparecen composiciones como Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En esta última, Stockhausen denominó la música electrónica como «forma momento».

El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla, en 1963, de Morton Subotnick.

Morton Subotnick

El Theremin había sido utilizado desde los años 20, manteniendo una cierta popularidad pero durante los años 60, el Theremin hizo apariciones ocasionales en la música popular.

En el Reino Unido, durante este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sinfonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.

Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos, y uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, fue el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado Minimoog.

En 1966, Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfaces de audio-vídeo y una plantilla de músicos y videoartistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.

Música por ordenador

CSIRAC, fue el primer ordenador en reproducir música, en 1951. Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer music fue una emisión de la NBC para el programa Monitor en 1962.

En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema informático Sogitec 4X, que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real.

Música estocástica

Un importante desarrollo lo constituyó la aparición de ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la manipulación o creación de sonidos. La música estocástica es un método compositivo que emplea sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis usó ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta.

Electrónica en vivo

En Estados Unidos se hizo por primera vez electrónica en vivo a inicios de los años sesenta por los componentes del “Milton Cohen´s Space Theater”, donde uno de los miembros más destacados era Robert Ashley.

Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo.

También los músicos de Jazz empezaron a dar conciertos empleando sintetizadores Moog, como Paul Bley y Annette Peacock, hacia finales de 1960.

Sintetizadores

Robert Moog y su sintetizador

A finales de 1963, aparece el sintetizador Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado a la sociedad en el otoño de 1964, la compañía Moog Music empezó a despegar en el mundo musical, y sobre todo cuando Wendy Carlos editó el álbum “Switched on Bach”.

El Moog Taurus era un teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos, el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog’s en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.

A raíz de ahí, se empezaron a comercializar los Minimoog, el Moog Taurus, el Polymoog, el Memorymoog, etc. También se presentaron los órganos programables producidos por Keio, y construyeron teclados que iban destinados al mercado de los sintetizadores, los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60 y principios de los 70. El primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70 y 80 bajo la marca Korg.

Período de 1970-1980

En los años 70 también vieron se generalizó el uso de sintetizadores en la música rock, con ejemplos como: Pink Floyd, Tangerine Dream, Yes y Emerson, Lake & Palmer, etc. A finales de los años setenta y principio de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron lugar a los sintetizadores digitales y a los samples.
En lo relacionado a la tecnología, la evolución de un producto a otro, y de un diseño a otro diferente, se sucede con mucha rapidez.

La música electrónica popular

A lo largo de los años 70, se crea una corriente de música experimental, con bandas como The Residents y Can, que incorporaba elementos de música electrónica. También en esta época diferentes bandas de rock, desde Genesis hasta The Cars, comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.

Otros grupos y artistas también contribuyeron significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo electrónico como Depeche Mode, Jean Michel Jarre, o Vangelis.

Creación del MIDI

En 1980, se generalizó un interfaz para que los diferentes instrumentos pudieran relacionarse entre ellos con el ordenador principal, y se denominó MIDI. Así se conseguía que con solo presionar una tecla, mover un pedal, controlar una rueda o dar una orden a un ordenador, se pudieran conectar entre sí de manera sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.

Miller Puckette creó un software llamado “Max”, el cual se incorporaría Macintosh, esta tecnología permitió que se crearan infinidades de temas que fueran más creativos, y coincidió con la llegada al mercado de los ordenadores personales.

Sampler

Se generaliza con el nacimiento del Hip Hop en los años setenta, y es un aparato analógico o un software que coge datos digitales de secuencias sonoras para después reproducirlas o transformarlas con efectos.

También se pueden coger muestras de vinilos o de cintas. Es decir, graba sonidos y los transforma en digital a través de ordenadores, estos ordenadores se empezaron a llamar sampler, y con su evolución se insertaron en teclados y sintetizadores.

Período de 1980-2000

Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta tendencia ha continuado hasta el presente.

En los años 90, se empezaron a hacer actuaciones con asistencia de ordenadores interactivos. Otro avance reciente es la composición Begin Again Again (MIT y IRCAM) para hyper chelo, es un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista. Max Methews desarrolló el programa Conductor para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico.

Período de 2000-Actualidad

A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, como los ordenadores portátiles y live coding, se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.

Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador incrementándose y estando disponible al público en internet.

El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos, antiguamente solo existentes como hardware, estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plugins de los software. Algunos de los softwares más populares son Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK.

Durante los años 90, los teléfonos móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no solo para generar los Ringtones de sus equipos, sino que permitieron a sus usuarios algunas herramientas de creación musical. Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes computadores portátiles, computadores de bolsillo y PDA´s, abrieron camino a las actuales Tablets y teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de tono, sino el de otras herramientas como samplers, sintetizadores monofónicos y polifónicos, grabación multipista, etc. que permiten la creación musical en casi cualquier lugar.

Instrumentos electrónicos en diferentes países

Música electrónica en Japón

Festival Ultra Japan 2018

Aunque los primeros instrumentos electrónicos como el Ondes Martenot, el Theremin o el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial. Años después, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, experimentando, gracias a la ayuda académica, con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio.

Creándose una fusión de la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.

Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, lucharon por utilizar la tecnología electrónica para producir música, 1940. En 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiese traer «ruido» dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo, una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado en el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de «un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación» que pudiera «sintetizar cualquier tipo de onda de sonido» y que sea «manejado muy fácilmente,» . Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.

En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado para producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 90 la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular.

Música electrónica en los Estados Unidos

En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection de Morton Feldman

El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman) y duró tres años hasta 1954. Durante esta época, Cage completó su Williams Mix, en 1953.

Avances tecnológicos en los instrumentos

Después de haber hecho un recorrido por la historia y evolución de los instrumentos electrónicos, vamos a hacer hincapié en los avances que se han ido desarrollando, y cómo la tecnología digital vuelve a dar paso a los viejos instrumentos analógicos.

En los años ochenta, los instrumentos electrónicos tuvieron una gran evolución relacionada con lo digital aplicándose a la síntesis electrónica con lo relacionado al procesado, secuenciamiento y almacenamiento de información apareciendo el ordenador Fairlight, el muestrador Emulator y la estación de trabajo Yamaha DX7.

A principio de la década de los ochenta, Roland lanzó a la venta unas cajas de ritmos que al principio no tuvieron repercusión, pero algunos jóvenes los relanzaron debido a su bajo coste, producían sonidos ácidos, y crearon escuela y abrieron un nuevo mercado de instrumentos para síntesis de ritmos, y son las míticas “TB-303” y “TR-808”. Es ahora cuando aparece el Techno y el House.

Vamos a centrarnos en los dos sintetizadores más importantes que revolucionaron la música electrónica y la general:

YAMAHA DX7

Yamaha DX7

Este sintetizador digital se empezó a comercializar en 1983, siendo un éxito de venta usó un tipo de modulación de la frecuencia que se desarrolló en los años setenta.

El DX7 fue el primer sintetizador que tenía un puerto único de entrada del regulador de respiración, que permite manipular el timbre utilizando la presión de respiración que iba por un tubo.

Hay que destacar los sonidos de timbre agudo y procesa el audio a través de una reverb, lo que hace que se vuelva más brillante. Ya a finales de 1986, sale a la venta el modelo DX7II y su novedad es que puede ser bitímbrico, posibilidad de tener sonido dual, SPLIT, sonido estéreo, etc.

CASIO

Esta compañía japonesa hizo su incursión en el mercado en 1982, sus interfaces de programación eran redirigidos por menús digitales. Su línea CZ utilizó la síntesis de distorsión de fase, y fueron los primeros en tener MIDI, más tarde, a finales de los ochenta, Casio lanzó la serie VZ que mejoró la síntesis por distorsión de fase incluyendo elementos de síntesis por modulación de frecuencias.

ROLANDTB-303

Roland TB-303

Es un sintetizador con un secuenciador integrado que fue muy importante en la evolución de la música electrónica, ya que fueron los Dj los que lo utilizaron para crear música House, este instrumento incorpora datos de notas en el secuenciador programable de 16 pasos, ofreciendo un método fácil de pasos-tiempo.

El tema “Acid Tracks” de Phuture se considera el primer tema donde se incluyó los sonidos prototipos de este sintetizador. Este sonido, que se dio a conocer mundialmente como “Acid”, era producido por un patrón de notas que repetían alterando el corte de frecuencia del filtro y la resonancia modificando el volumen de la nota, permitiendo variar el timbre.

Para finalizar cabe destacar que hubo grandes artistas y grupos que los utilizaron siendo muy característico su sonido, como Duran Duran, Depeche Mode, Culture Club, Eurythmics, Deadmau5, Marshall Jefferson, Carl Cox, Jesse Saunders, Jeff  Mills, etc.